“Go” ist ein japanisches Brettspiel. Ähnlich bekannt wie Schach bei uns. Ziel im Go ist die Eroberung von Gebiet. Die Züge werden mit Gewaltbegriffen benannt. Es geht um Gebietsinvasion, Angriff, Verteidigung, um das Gefangennehmen und Schlagen von Steinen, um "lebende" und "tote" Steine. Vom Gegner vollständig umzingelte Steine sind gefangen. Alle Steine haben denselben Wert, ein Stein allein ist schutzlos.

“Go“ so heißt auch die Ausstellung des Magnumfotografen Bruce Gilden. In diesem Werk erforscht er die dunklere Seite Japans, das brutalisierte Alltagsleben auf den Straßen Tokyos und Osakas. Angriff und Verteidigung. Bis du oben oder unten? Ob protzender Boss der japanischen Mafia, James Dean ähnliche Motorrad-Rocker, verhärmte Bettler, alternde Transvestiten. Ein falscher Zug kann jedes dieser Leben endgültig vernichten. Und all diese undurchsichtigen Praktiken des japanischen Untergrunds wurden eingefangen durch die Schwarz-Weiß-Fotografien Gildens.

Dabei ist er mit seiner Kamera erstaunlich nah am Geschehen. Close-Ups durchziehen die Ausstellung, so dass viele der Bilder etwas filmisches haben, kaum wie Realität, die oft Distanz zum Objekt fordert. Nein, man ist mitten drin in einer Welt Japans, die nun so gar nicht dem Klischee von “Technolgiewahn meets Teezeremonie” entspricht. Bei seinen Ausflügen auf die Straßen fallen Widerstände und Schranken, Personen werden fotografisch erwischt, "Face to Face" konfrontiert: ungeschminkte Begegnungen, paradoxe Bildsprünge und Perspektivenwechsel.

Seit nunmehr 25 Jahren ist der amerikanische Fotograf Bruce Gilden für seinen einzigartigen Stil im Bereich der 'Street Photography' bekannt. Seine Bilder werden seit 1977 von internationalen Museen und Galerien ausgestellt und seine Arbeiten befinden sich in unzähligen Sammlungen. Seine Straßenporträts sind mit roher Energie aufgeladen, erinnern an Film Noir Gangsterfilme.

Mit dem Zahnstocher im Mund fixiert ein Mann mit Hut den Betrachter, die Hand greift in die Innenseite seines Mantels. Was wird er zücken? Drogen, Geld oder wird er gleich ein Waffe auf uns richten? Schnell weiter zum nächsten Bild. Die finstere Miene des auffällig gekleideten Bosses, dem ein Bodyguard eine Zigarette anzündet. An den Obdachlosen eilen Passanten vorbei. Ein gehetzter Subway-Pendler nimmt gleich zwei Stufen auf einmal. Gilden lässt die Motive bewusst für sich selbst sprechen, in all ihrem Tempo, ihrer Eindringlichkeit und Härte.

Besonders schön die Detaillaufnahmen. Ausschnitte, die wenig zeigen und doch viel erzählen von Ungerechtigkeit und Schmerz. So die Fotografie von dem Fuß eines Mannes. Nur dieser Fuß lugt in der rechten unteren Bildmitte hervor. Der Rest des Bildes ist Schwarz. Nacht. Doch das angeblitzte Stück Körper zeigt die dreckige verbrauchte Oberfläche der Haut. Die verwachsenen Zehennägel, die im dem abgebrochenen weit hinaus wachsenden Nagel am großen Zeh ihren größte Dramatik finden.

Die Bilder zeigen sogenannte “Freaks“: Außenseiter. Doch nicht entstellend, sondern mit dem Blick für Schönheit im Grauen. Die Personen bewahren Würde, erzählen Geschichten, deren Ende jedoch ungewiss bleibt.

"Bollywood" -- zusammengesetzt aus Bombay und Hollywood -- ist ein Kosename für indischen Film und Filmmusik. Bei einem Budget von etwa $300 Mio. werden jährlich 800 Filme gedreht, zumeist romantische Musik- und Tanzfilme.

Jonathan Torgovnik, 1969 in Israel geboren, später in New York studiert, hat das Phänomen Bollywood seit 1998 intensiv fotografisch dokumentiert. In der Ausstellung „Bollywood Dreams“ des Frankfurter Fotografie Forums, lässt Torgovnik in seinen Bilder hinter die Kulissen indischer Filmkultur blicken: Porträts der Stars beim Dreh, die Kinos und ihre Besucher, Proben für die aufwendigen Tanz-Szenen, ohne die ein indischer Film nicht auskommt. Aktivitäten hinter den Drehkulissen und die phantasievolle Kinowerbung auf der Straße.

In Bollywood wird kommerzielles Kino gemacht. Fast alle Filme folgen dem gleichen Muster. Es sind üppig ausgestattete Melodramen und Liebesgeschichten, aufgelockert durch Tanz- und Gesangseinlagen und gewürzt mit Actionszenen, in denen sich der Held zu bewähren hat. Ein Kino, das sehr erotisch ist, aber trotzdem familientauglich bleibt und keine religiösen Gefühle verletzt. Sex ist dagegen tabu, dafür gibt es eine sanfte Variante von "Wet Sari"-Fantasien. Dagegen ist Singen und Tanzen ein stetes "Muss". Eine goldene Produzentenregel weiß, dass fünf Songs das Minimum sind. Filmschauspieler sind die wahren Superstars in Indien. Sie werden von Ihren Fans nahezu vergöttert, und für Kinotickets geben die Inder oft mehr aus als für Essen und stehen stundenlang für die heißbegehrten Tickets an. Die Filme sind meist länger als drei Stunden. Was aber keinen der der etwa 14 Millionen Inder täglich davon abhalten würde ins Kino zu gehen. Es ist eher so, je mehr Kino es für ihr Geld gibt, umso besser.

Tagsüber ist so manches hässlich, was nachts in Schönheit erstrahlt. Angeleuchtet von den Lichtquellen der Nacht. Tiefschwarz sind die Nächte im urbanen Umfeld recht selten. Irgendwo brennt immer ein Licht. Der Flughafen, die Straßenbeleuchtung, Lkws die nachts Waren transportieren. Und die angestrahlten Orte entwickeln, wie Theaterbühnen im Scheinwerferlicht, eine ganz andere Dramatik als bei Tage. Das Tageslicht ist ein Gleichmacher. Doch der Spot in der Nacht setzt Akzente, neue Farben, aufgeladene Atmosphären. Selbst triste Industrieorte können ganz märchenhaft erscheinen. Zumindest wenn man dem Blick Emanuel Raabs folgt, dessen Arbeiten der Fotoserie “Nachtland” in der Kommunalen Galerie im Leinwandhaus gezeigt werden.

Gestalterisch und inhaltlich sehr unterschiedliche Bildlösungen dokumentieren und reflektieren heutige Lebensräume, die durch wachsende Urbanisierung, gekennzeichnet sind. Diese Ausstellung zeigt mit großformatigen Farbaufnahmen auf Aluminium Raabs nächtliche Streifzüge; dokumentieren wie aus urbanen Unorten emotional aufgeladen Räume werden. Allerdings ohne zu weit in eine Bildtiefe zu führen, denn die Fotografien schließen den Raum, machen ihn flach. Der Blick bleibt distanziert und die Bildmotive sind menschenleer. Nur die Orte und Dinge alltäglicher Tristesse verweisen auf menschliche Existenz derer, die am nächsten Tag mit gleichgültigen Blick diese Orte passieren.

Die großformatigen Farbfotos wirken teilweise merkwürdig künstlich und konstruiert, obwohl sie genau dies nicht sind. Die Orte wirken fast unwirklich, wie Miniaturmodelle. Doch sie sind weder digital bearbeitet, noch künstlich beleuchtet, sondern sie sind ausschließlich in ihren eigenen, natürlichen Lichtquellen erfasst. Und immer wieder zeigt Raab Fabrikgebäude und Lagerhallen, die Stätten der Arbeit und der Produktion: Ein nächtlich erhellter Containerumschlagplatz, ein Supermarkt, mit seiner Leuchtreklame, eine fast strahlend gelb erleuchtete Tankstelle, eine düstere Brückenunterführung oder nächtliche Natur, Wiesen und Bäume, von Schatten durchwirkt.

Diese "uneigentlichen Orte" ohne Schönheitsanspruch, diese Verlegenheitslösungen und Hinterhof-Antiidyllen bannt Raab, konzentriert den Blick des Betrachters auf sie, macht sie zur Bühne für Abwesendes. Der Fotograf ermöglicht somit einen visuellen Lernprozess, indem er den Betrachter zwingt, dort hinzublicken, wo er in der Regel wegblickt oder die Augen schließt und nun dabei Schönheit erfährt. Hier zeigt sich eine subjektiven Fotografie jenseits des immer noch allgegenwärtigen Dokumentarismus.

Emanuel Raab, 1957 in Bautzen geboren, studierte Fotografie und Film an der Fachhochschule für Gestaltung in Darmstadt und ist seit 1984 freischaffend; zahlreiche Ausstellungen, Medienkunstprojekte, Publikationen. Seit 2001 Professor für Fotografie und Bildmedien an der Fachhochschule Bielefeld.

Der in Mainz lebende und an der Fachhochschule Würzburg lehrende Architekturfotograf  Dieter Leistner wird 50 Jahre. Aus diesem Anlass zeigt die Kommunale Galerie und das Fotografie Forum International eine Retrospektive dieses international anerkannten Fotografen. Seit 1982 arbeitet Leistner freischaffend und hat für zahlreiche Architekten und öffentliche Auftraggeber fotografiert, darunter O. M. Ungers, Gottfried Böhm, Richard Meier und Hans Hollein. Unter den festgehaltenen Gebäuden sind Banken, Schwimmbäder, der Deutsche Bundestag und zahlreiche Museen.

Leistner interpretiert den jeweiligen Bau mit seiner Fotografie, er inszeniert, arbeitet jedoch am liebsten mit vorhandenem Licht. Um die richtige Lichtsituation zu finden, nimmt er geduldig Wartezeiten in Kauf, bis Atmosphäre und Architektur zusammenstimmen.

Bereits mehrfach ausgestellt wurden Beispiele aus der Serie "Aufblicke". Sie zeigt Aufblicke im Gebäudeinneren, man findet darauf überraschende, orthogonale Ansichten. Die Arbeiten sind unabhängig von Aufträgen entstanden und verfügen über einen hohen Abstraktionsgrad. Unter seiner fotografischen Perspektive wandeln sich die Räume zur reinen Form, zu eleganten Bögen, Kreisen und Winkeln. Dort, wo die Ausschnitte am stärksten auf markante Baustrukturen reduziert sind, erinnert das Resultat fast an Werke der konkreten Kunst.

Im Treppenaufgang hängt eine Serie von 1993: Opulente Schwimmhallen, ob das Stadtbad im Berliner Neuköln oder das Münchner Volksbad. Die Bäder wirken wie Kathedralen, menschenleer und merkwürdig erhaben.

Längst nicht nur fertige Architektur wird von Leistner festgehalten. Auch Bauprozesse oder Baustellen sind Thema seiner Arbeit. Da ist eine kleine Serie zur Frankfurter Zeilgalerie: Fotos, die das Untergeschoss, wie eine vorzeitliche Ausgrabungsstelle erscheinen lassen, die auf Jäger verlorener Schätze zu warten scheint. Eine zweite Baustellenserie zeigt großformatige Fotografien des Rohbaus vom SWR in Mainz. Betonwände und Lattenzäune sind durch die gegeben Lichtverhältnisse zartblau getönt, so dass die unfertigen Räume etwas poetisches erhalten. Die Fotos Leistner erwecken Mythen und Assoziationen, die man in den postmodernen Bauten in Natura kaum noch nachzuvollziehen kann. Doch so kreiert das Bild etwas, was der Architektur versagt bleibt. Architekt und Fotograf treten in einen wortlosen, aber spannenden Dialog, der bewirken kann, dass sich durch die publizierte Fotografie eines Gebäudes die Sichtweise der Besucher vor Ort verändert.

Seine konsequente Arbeit brachte ihm zahlreiche Ehrungen ein, darunter die Berufung in die Deutsche Gesellschaft für Fotografie, die Aufnahme in den Art Directors Club New York und die Verleihung des Award of the 8th Photographic Art Exhibition in Beijing, China (1998). Als Hochschullehrer prägt er seit 1983 die bildnerische Sprache einer ganzen Generation. Die Architekturfotografie bewegt sich zwischen Dokumentation und Interpretation, zwischen Abbildung und künstlerischer Freiheit. Er legte jedoch immer Wert darauf, keine reine Dokumentarfotografie zu betreiben, sondern Formen aus dem Gebäude mit der Kamera freizulegen.